A flote. (Un inmenso -Gracias-)

Me niego a creer que este es un adiós pues siempre he sido apegado a mis cosas. 7 meses han transcurrido desde el ultimo post, y aunque las ideas no sobran, tampoco escasean, este -adiós- temporaneo (así lo espero) es producto de la invencible rutina y su esclavizante horario que no cede con nada. Me es imposible seguir posteando y el blog, bueno o malo no merece esto.
Quiero creer que en un futuro un nuevo y renovado Somewhere hidden in the deep se alzara de las cenizas y podremos disfrutar de este pequeño aunque siempre honesto espacio dedicado a ese gran arte llamado cine.
No es mi intención recurrir a reyertas baratas y discursos aburridos, así que sin mas les deseo a todos los pocos pero apreciados lectores, a todos y cada uno de ellos que hicieron de esto algo posible, mucho cine.

Las 5 mejores películas del 2013.

A unas horas de concluir este año estas son las que a consideración de Somewhere Hidden in the Deep fueron los estrenos mas relevantes en el mundo cinematográfico del 2013, la lista puede ser modificada con el visionado de nuevas cintas o revisionado de las mismas. Felices fiestas.

5.- Camille Claudel, 1915 de Bruno Dumont.

Después de la decepcionante Hors Satan (2011), Bruno reivindica su filmografía con esta bellísima reflexión de lo que el arte trae a la vida de las personas, mención aparte merece la estupenda actuación de Juliette Boniche, quien da vida y alas al papel principal.

4.- El pasado de Asghar Farhadi.

Al igual que en su trabajo anterior, Nader y Simin, una separación (2011), el director iraní reposa el drama de su filme en una ruptura, solo que esta vez de una manera mas personal, reposada y desarrollando mejor a sus personajes siempre sumidos en desgracia y depresión.

3.- El gran maestro de Wong Kar Wai.

Ni biografía, ni de artes marciales, el nuevo filme de Wong es simplemente un nuevo filme de Wong, un bello y potente poema visual que usa al Kung-fu como su conductor, peleas que sirven mas bien como danzas, como cortejos que seducen al espectador.

2.- De tal padre, tal hijo de Hirokazu Koreeda.

¿En qué momento un padre se convierte en padre?, es el postulado de la nueva y brillante película de Koreeda, uno de los directores orientales mas relevantes. Dos mundos y miradas distintas unidos por un accidente medico. Obra maestra.

1.- La gran belleza de Paolo Sorrentino.

La película de Sorrentino habla de la búsqueda de la belleza, pero no de aquella que es efímera, sino de la que trasciende. Un filme profundo y poético como pocos nos ha regalado la década en curso, incita a la contemplación y destila una narrativa por demás compleja.
Una obra maestra, la mejor del 2013.

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Los 20 mejores directores de la historia. (actualizado) (4a parte)

5. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931)

Es el estandarte de la época de oro del cine alemán y en mi opinión el cineasta que mas a contribuyó a la construcción del lenguaje cinematográfico. Desarrollo toda su carrera en el silente pues murió poco antes de la globalización del sonoro. Decir que fue un expresionista sería reducir la obra de un genio que también recorrió el naturalismo (Tabú), el realismo (El ultimo) o incluso el Kammerspiel, la variedad de formas y estilos que Friedrich imprimió a lo largo de su carrera hacen que etiquetarlo en uno solo sea imposible, ¿De cuantas obras maestras nos perdimos al morir Murnau?

Mejor trabajo: El ultimo de los hombres (1924)

4. Carl Theodor Dreyer (1889-1968)

 La obra del danes siempre tuvo como principales adjetivos la sobriedad y la evolución de estos temas místicos y religiosos de los que siempre fue tan asiduo. Él fue el tipo de cineasta que al alcanzar su madurez (Dies Irae) repitió una y otra vez la misma película hasta el final, en la etapa muda prioriza el montaje y su cine alcanza cotas de extrema belleza, pero en la etapa sonora Dreyer se reinventa y emplea una puesta en cámara mas lenta, el uso brillante de planos-secuencias, una severa fotografía de claroscuros y un desarrollo de personajes mas complejo. Las películas de Carl siempre me han parecido museos de arte en movimiento.

Mejor trabajo: Ordet (1955)

3. Akira Kurosawa (1910-1998)

En mi opinión, Akira es el director que mas obras maestras rodó, se le identifica como el mas occidental de los directores orientales ya que su cine bebe de americanos tan importantes como John Ford o Alfred Hitchcock y a su vez influenció a toda una gama tan vasta como diferente de cineastas en generaciones venideras, su cine supone una combinación híbrida entre lo tradicional y lo contemporáneo, realizó desde cine negro (El infierno del odio) hasta películas épicas (La fortaleza escondida) , pasando por dramas amorosos (Escándalo) y cine poético (Sueños), es y será por siempre El emperador del cine.

Mejor trabajo: 7 Samurai (1954) 

2. Ingmar Bergman (1918-2007)

Cine como el de Ingmar Bergman es imperecedero, pues en él, el cineasta sueco habló y retrato de la manera mas personalmente posible los cuestionamientos más trascendentales que aquejan a la humanidad, siempre envueltos en una plástica virtualmente insuperable, estableció binomios simbióticos con algunas otras luminarias del cine, Sven Nykvist, Liv Ullmann o Max Von Sydow por mencionar solo los mas importantes y gracias a ello su filmografía se vio engrandecida más de lo que por si sola es. Hablar del hombre y su existencia es hablar de Ingmar Bergman y su cine.

Mejor trabajo: Persona (1966)

1. Andrei Tarkovsky (1932-1986)

Un genio para algunos, un pedante para otros, lo cierto es que el ruso fue un insondable buscador de la verdad, esta verdad a menudo puede parecer quisquillosa e insoportable para los mas críticos, de su trabajo se desprenden las obras mas bellas y puramente poéticas del arte cinematográfico, su lírica se aleja brillantemente de todas las demás artes a pesar de que estas estén siempre presentes en sus películas, la imagen, el tiempo, y sobretodo el movimiento son las bases de su arte, de su poesía, de su esculpir el tiempo. No existe cine mas cinematográfico que el de Tarkovsky.

Mejor trabajo: Sacrificio (1986)

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Los 20 mejores directores de la historia. (actualizado) (3a parte)

10. Fritz Lang (1890-1976)

Al maestro alemán le atribuyo el crear la primera obra maestra en sonoro, M: El vampiro de Dusseldörf, precursora del cine negro americano. Antes de esta ya había dirigido al menos un par de obras maestras mudas, Fritz triunfo en Alemania para después hacerlo en Hollywood, sus películas, a menudo comparadas con las de Hitchcock, destilan una realización más elaborada y geométrica, un verdadero genio de la puesta en escena, además de desarrollar una psicología del personaje brillante, ellos siempre son almas perseguidas y abrumadas por sus propios demonios.

Mejor trabajo: Perversidad (1945)

9. Stanley Kubrick (1928-1999)

Egocéntrico, déspota, perfeccionista y genio, son algunos de los adjetivos calificativos para describir al inmenso Kubrick, gustaba de controlar de manera casi enfermiza todos los aspectos creativos de sus películas, debido a esto su filmografía no es tan prolífica como sus fieles desearíamos, aún así ésta es muy rica y vasta para ser considerado como uno de los más grandes. A menudo se le achaca una especie de frialdad en su cine que adquirió durante su insana búsqueda por la perfección estética, yo pienso que encontró un balance único entre lo mecánico de su arte y lo orgánico de sus emociones. Si algo es seguro es que no hay nada gratis en sus películas, cada gesto, cada lata de comida en la repisa y cada luz esta ahí por una razón.

Mejor trabajo: 2001: Una odisea del espacio (1968)

8. Luis Buñuel (1900-1983)

Pese a solo rodar dos filmes enteramente surrealistas (Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), ésta corriente siempre inundo con fantásticas secuencias e historias toda su filmografía, las bajezas, perversiones e hipocresías de los altos círculos sociales fueron los temas que más desarrollo en su obra, curioso teniendo en cuenta que él mismo pertenecía a esta clase social. Rodó en tres países, España, Francia y México, en todos firmó grandes películas que se consideran cimas altas en la historia cinematográfica, teniendo, para mi, su punto creativo mas álgido en tierras mexicanas. El genio de Calanda nos brindo una de las miradas mas singulares e únicas del cine.

Mejor trabajo: Vridiana (1963)

7. Yasujiro Ozu (1903-1963)

El mas poético, reflexivo y contemplativo cineasta que jamás existió, el cine de Ozu es una mirada a las vida tal y como es, sin maquillaje. Mizoguchi decía; "Yo intento hacer creíble lo sorprendente pero Ozu hace de lo cotidiano algo extraordinario, eso si es de admirar" nada mas atinado para describir lo que el cine de Yasujiro buscaba expresar, su delicada cámara empleaba muy pocos movimientos y basaba su narrativa en un brillante juego de plano-contraplano, planos medios y sus pequeños aunque hermosos travellings, un perfecto envoltorio para toda la sabiduría que destilaban sus historias. Un genio irrepetible.

Mejor trabajo: Cuentos de Tokio (1953) 

6. Béla Tarr (1955- )

El recién retirado cineasta me parece el más importante de los últimos 30 años, comenzó su carrera realizando lo que considero una especie de docuficción, su madurez llegaría con La condena (1988), y a partir de ese punto seríamos testigos de uno de los tesoros mas valiosos de la historia del arte. Extensos planos secuencia, lodo, bruma, blanco y negro, poco importa el argumento en las historias de Tarr, la forma, sin embargo, recibe total atención y desarrollo, seis años después Béla revoluciona el tiempo y el espacio cinematográfico al rodar Sátántangó. Resulta fácil creer que nunca volveremos a ver cine tan elevado, quién sabe, así se creía de Tarkovsky. Una lastima en verdad su retiro.

Mejor trabajo: Sátántangó (1994)




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Un recorte a los sueños.

El 14 de noviembre pasado, el congreso mexicano aprobó su plan de egresos fiscales para el 2014, el cual presentaba una iniciativa hecha por el presidente Enrique Peña Nieto para recortar el presupuesto de las fundaciones culturales por cerca de 4 mil millones de pesos. Hecho que contrasta con la afirmación realizada antes, la cual calificaba al presupuesto como "el mas grande de la historia", ¿Entonces por qué es necesario el recorte?

Tal aprobación afectó a instituciones como IMCINE (Instituto Mexicano de Cinematografía), Estudios Churubusco y sobretodo al CCC (Centro de Capacitación Cinematografiara), que en julio de 2012 fue incluida por The Hollywood Reporter dentro de las 25 mejores escuelas de cine alrededor del mundo ubicándose en el puesto 22, el recorte presupuestal representa casi el 50% en comparación con el asignado en 2013. Sin duda un gran atentado hacia la cultura cinematográfica de México. Ante esta situación numerosos alumnos, ex-alumnos, maestros y cineastas cercanos a la institución han enviado una carta al congreso en señal de protesta e inconformidad. Aquí el escrito:

-Un país sin cine es un país sin rostro-

A la Cámara de Diputados y de Senadores.

Al Gobierno Federal.

A la opinión pública.

A los medios de comunicación.

Hace algunos días recibimos, con sorpresa, la noticia del recorte al gasto cultural, aprobado por los legisladores federales en el Presupuesto de Egresos de la Federación 2014. Esta decisión afectará, entre otras instancias, al Instituto Nacional de Bellas Artes, a Radio Educación, Educal, Canal 22, Instituto Mexicano de Cinematografía, Estudios Churubusco y a nuestra escuela, el Centro de Capacitación Cinematográfica A.C. (CCC).

En el caso del CCC, el recorte asciende a 43 por ciento, prácticamente la mitad de su presupuesto actual. Nos preguntamos cómo es posible que contando con el mayor presupuesto de la historia de México —tal como lo definió Enrique Peña Nieto y como lo refrendó la Secretaría de Hacienda al asegurar que no hay recorte a cultura— instituciones como la nuestra salgan perdiendo tanto.

El Centro de Capacitación Cinematográfica es la única escuela de cine que depende del gobierno federal. Recientemente la prestigiosa revista The Hollywood Reporter colocó al CCC entre las 25 mejores escuelas de cine del mundo y la reconoció como la mejor de habla hispana. Sus alumnos han cosechado éxitos en todo el mundo; más de 600 premios internacionales y nacionales lo constatan, entre ellos dos premios Oscar estudiantiles y una Palma de Oro.

El Centro de Capacitación Cinematográfica es un pilar fundamental en el desarrollo y la producción cultural de México, ya que surte a la industria cinematográfica nacional de cineastas jóvenes que año con año producen películas que son parte del rostro del país y reflejan las distintas realidades que vivimos.

Además, el CCC genera industria: las películas más taquilleras de este país han contado con la participación fundamental de nuestros compañeros egresados.

Para algunos, el 43 por ciento del recorte al gasto del Centro quizá sea un número perdido entre tantos otros. Sin embargo, para nosotros es un golpe muy duro pues implica terminar con un modelo exitoso de educación, que se basa en la práctica permanente de sus alumnos.

Gracias a este modelo generamos decenas de cortometrajes – ficciones y documentales- y hasta cuatro largometrajes cada año. La realización de estas películas no beneficia únicamente a sus estudiantes sino también a la industria, a prestadores de servicios, actores, músicos y técnicos que aprenden, subsisten y crecen junto con nosotros.

Este recorte implica la desaparición de programas como “El CCC con patas” que organiza talleres a jóvenes indígenas en varios estados del país, descentralizando la enseñanza de cine y democratizando el acceso a cultura.

El cine en nuestro país es un fenómeno cultural que ayudó a forjar la idea de colectividad nacional después de la Revolución. El cine en México es parte fundamental de la educación emocional e intelectual de todo mexicano. El cine es, como dijo Carlos Monsiváis, una fábrica de sueños. Ese cine mexicano ha crecido y se ha desarrollado en los últimos años, y ha obtenido gran reconocimiento nacional e internacional; el Centro de Capacitación Cinematográfica ha sido parte esencial de ese proceso.

Por eso, extrañados, nos preguntamos: ¿qué sentido tiene recortar el gasto destinado al cine teniendo el presupuesto más grande de la historia del país? ¿Por qué dar un duro golpe a una de las mejores instituciones educativas de México? Todos los mexicanos perdemos cuando los representantes populares menosprecian el cine y la cultura.

¡En el país que queremos no se recortan los sueños!

Alumnos y ex alumnos del

Centro de Capacitación Cinematográfica.

Carlos Carrera, Francisco Vargas, Rigoberto Castañeda, Francisco Athié, Mariana Chenillo, Eugenio Polgovski, Jorge Michel Grau, Everardo González, Elisa Miller, Sigfrido Barjau, José Ramón Mikelajauregui, Daniel Gruener, Christiane Burkhard, Emilio Portes, Martin Boege, Tatiana Huezo, Julio Hernández Cordón, Alejandro Gerber Bicecci, Natalia Beristain, Pablo Tamez, Michel Lipkes, Ruben Imaz, Diego García, Jorge Aguilera, Juan Carlos Martín, Patricia Hernández de Velasco, Daniel Touron de Alba, Ricardo Benet, Dana Rotberg Goldsmith, Agustín Tapia, Juan Márquez, Luciana Kaplan, Ramon Orozco Stoltenberg, Kenya Marquéz, Javier Morón, Claudia Velazco, Abril Schmucler, Berenice Ubeda, Fernando Urdapilleta, Kenji Katori, Daniel Castro Zimbrón, Issa Guerra, Gabriella Morales-Casas, Adriana Solís Quezada, León Felipe González, Ivan Lomelí, Jorge Ramírez-Suárez, Federico Monsalve, Francisco Atristain G, Vidblaín Balvás López, Ana Mata, Lorena Salazar Ocampo, Manuel Valdivia Núñez, Caroline Vera Bérenger, Pablo Ochoa, Alejandro Montes, Carlos Rodríguez Rodríguez, Fabiola Ramos, Jesús Berrospe, Néstor Sampieri, Francisco Amezcua, Maria Sarasvati Herrera, Diana Garay, Luis Montalvo, Pamela Albarran Rodríguez, Mariana Flores, Jaiziel Hernández Maynez, Ezequiel Reyes, Federico Zuvire Cruz, Carlos Correa, Tess Fernández, Luz Rodríguez,  Jana Árcega, Claudia Becerril, Miguel Zetina, Juan Zúñiga, Raúl Quintanilla, Angélica Romanini, Sebastián González Rivas, Maricarmen Merino, Paula Hopf Valenzuela, Tania Claudia Castillo, Acelo Ruíz Villanueva, Sandra Concepción Reynoso, Fernando Hernández, Bruno Santamaría, Sandra Luz López Barroso, Andrea Rabasa Jofre, Jorge Luis Linares Martínez, Leonardo Díaz, Edson Ramírez, Israel Ahumada de Mendoza, Argel Ahumada de Mendoza, Michelle Garza Cervera, Pablo Giles Ritter, Pablo Pérez Lombardini, Ariel Gutiérrez Flores, Luis David Palomino, Natalia Moguel, Eva Villaseñor, Julian Sarmiento, Laura Baumeister De Montis, Daniel Vidaurri Nuñez, Rodrigo Ruiz Patterson, Gabriela García Rivas, Carlos Alcázar, Armando Salomo, Karen García, Felipe Bracho, Luis Martín Domínguez, Fernando Rangel, Fabrizio Cadena, Raúl Galindo, Julian Stubbs, Francisco Fernández, Percival Argüero, María Conchita Díaz, Camilo Moncada, Michelle Rosales, Emiliano Alcázar, Ricardo Castro Velázquez, Santiago Celorio, Alejandro Chávez, Enrique Gámez Menéndez, Emiliano González Casanova Gallegos, Mateo Granillo, Carla Larrea Sánchez, David Malpica , Flavia Martínez, Ignacio Miguel Ortiz Ortega, Iván Sergei Ramírez Guerrero, Ana Marlén Ríos Farjat, Diego Rodríguez García, Horacio Romo Mercado, Eddie Santiago Rubio, Daniel Anguiano Zúñiga, Carlos Rogelio Cepeda Ruiz, Miguel Escudero Torres, Elena Isabel Gómez Cruz, Aura González Salazar, Eduardo Hernández Hernández, Emmanuel López Vega, Carmen Helena Luna Cárdenas, Victor Hugo Magaña Fernández, Harry Armando Montiel Ríos, Jimena Muhlia Montero, Mariano Murguia Sotomayor, José Luis Rivera Mendoza, Abraham Robert Moreno, José Daniel Zúñiga Sánchez, Santiago Ortiz-Monasterio, Juan Bernardo Rivero Ochoa, Gerardo Ortiz Mildare, César Salcedo, Carlos Tello de Meneses Vega, Salathiel López Campos, Kin Navarro Reza, Martha Yanavani González Jiménez, Martín Amilcar Domínguez Cazínt, Alfredo Sánchez, Mayra Espinosa Castro, Ulises Castillo Zúñiga, Martín de Jesús Bautista Márquez, Emilio Acosta, Gustavo Adolfo Ambrosio Bonilla, Juan Carlos Domínguez Domingo, Pamela Torres Maldonado, Mónica Flores Lobato, Gabriela Gavica, Mélida Ortiz Pandolfi, Juan Pablo Cháirez Garza, Orianna Aketzalli Calderón, Ruth Tovar Tostado, Mario Franco Guzmán, Raquel Romero, Fernando Rangel Estrada, Rafael Martínez Garcíay Abia Dina Castillo Díaz.

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Cabe mencionar que el ya mencionado Enrique Peña Nieto demuestra día con día y desde mucho antes de llegar a la presidencia nacional una ignorancia atroz, un ser retrograda y rupestre alejado totalmente de ámbitos culturales y de desarrollo intelectual, no vayamos mas lejos, el señor no pudo ni siquiera mencionar TRES LIBROS que hayan marcado su vida.

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Los 20 mejores directores de la historia. (actualizado) (2a parte)

15. Robert Bresson (1901-1999)

Antes de leer su libro Notas del cinematógrafo, consideraba a Bresson un director solo por arriba de la media, el texto antes mencionado, ayuda a entender y apreciar en correcta forma los postulados estéticos y semánticos del genio que nos ocupa. Sostenía que el cinematógrafo debía ser separado del cine y crear una propia estructura y arte alejada de la literatura o el teatro, el ascetismo, colocandolo así como el mejor teórico de la historia del cine, todos sus principios se ejemplifican en sus películas, todas ellas maravillosas.

Mejor trabajo: Un condenado a muerte se ha escapado (1956)

14. Charles Chaplin (1889-1977)

El genio de la comedia muda. Si bien, las películas de Chaplin no gozaban de una puesta en cámara destacable, eso no le impidió desarrollar más de una obra maestra, el cine de Charles es como una hipérbole, situaciones tan inverosímiles que sólo en el universo chapliniano pueden ser creíbles y naturales, lo cual lo convierte en el director con el estilo más identificable. El genio de Charles nos hizo reír, llorar y amar con el arte silente algo que muchos creían imposible, también rodó en sonido aunque su discurso se tornó un poco moralista, aún así debe ser considerado como uno de los grandes de este arte.

Mejor trabajo: Luces de la ciudad (1931)




13. Max Ophüls (1902-1957)

Si alguien alcanzó la perfección estética y visual ese fue el cineasta franco-germano Max Ophüls, todo un adelantado a su tiempo, comenzó a rodar películas mudas en Alemania pero desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia teniendo dos etapas, divididas ambas por un pequeño periodo americano, la segunda de ellas que inicia en 1950 tras su exilio de estados unidos es la más brillante, donde su madurez y genio crean algunas de las mejores películas de la historia, su estilo, preciosista y elegante es uno de los testamentos mas bellos del cinematógrafo.

Mejor trabajo: Madame de... (1953)




12. Orson Welles (1915-1985)

En el cine existe un antes y un después de Orson Welles y su afamada Ciudadano Kane, pero el gran contenido político de su opera prima le supuso una eterna censura por parte de los medios, pese a ello el gran director se las arreglo para rodar grandes películas, pese a lo que se cree la filmografía de Welles es muy rica y no hallamos momentos flojos en ningún momento, el carácter retador de Orson lo obligaba a buscar siempre nuevas formas de expresión, nuevos artilugios que añadir al lenguaje cinematográfico, un revolucionario en toda la extensión de la palabra.

Mejor trabajo: Ciudadano Kane (1941)




11. Jean-Luc Godard (1930- ) 

No existe un director que divida mas al mundo cinematográfico que Godard, algunos lo tachan de pedante y vacuo, yo lo considero un extravagante genio sin igual, siempre tratando de alejarse de los cánones clásicos del cine, siempre tratando de innovar, de crear y revolucionar, algunas veces lo consigue, otras no tanto. Un director para el cual la forma lo es todo y basa en ella todo el poder del filme. Un niño que siempre trato al cine como su juguete nuevo, la pasión se le desbordaba y el amor por este sigue inundando todas sus películas.

Mejor trabajo: Vivir su vida (1962)

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Los 20 mejores directores de la historia. (actualizado)(1a parte)

Me parece que es momento de actualizar esta lista, la de los mejores realizadores cinematográficos, directores para ser mas exactos, aunque no serán radicales los cambios pero si significativos, como toda lista realizada esta sujeta al gusto y paladar de quien la compone, enjoy.

20. Federico Fellini (1920-1993)

Aunque comenzó su carrera con películas neorrealistas, tales como Amor en la ciudad (1953) o La strada (1954), el mejor Fellini llega años después al momento de su madurez, cuando alcanza ese formalismo tan bello con el que aderezo sus obras mayores, Federico es dueño de una puesta en cámara prodigiosa, de la mano, en muchas ocasiones, de Otello Martelli, uno de los cinematógrafos italianos mas importantes del siglo pasado.

Mejor trabajo: 8 1/2 (1963)

19. Theodoros Angelopoulos (1935-2012)

El maestro griego es el humanista mas ferviente que la historia del cine ha dado. Su filmografía comienza con películas que buscan la denuncia histórica pero mas adelante se embarca en estas poderosas historias llenas de esperanza que lo encumbran como uno de los mas grandes, todas ellas con finales agridulces. Su cine se toma el tiempo necesario para que uno lo pueda saborear, el esculpir el tiempo llevado a su máxima expresión.

Mejor trabajo: La mirada de Ulises (1995) 




18. Luchino Visconti (1906-1976)

Pese a carecer de la fama mundial de Fellini, el maestro Visconti me parece a todas luces el mejor cineasta italiano de la historia, elegante y correcto como pocos, un gran critico marxista y poeta de la decadencia social y humana, todo envuelto en este fantástico mundo de cultura visual, sus peliculas articuladas siempre de manera "operistica" son monumentos de dirección de arte y diseño de producción, lo cual contrasta con su ya mencionado marxismo y su ideología liberal.

Mejor trabajo: Senso (1954)




17. Sergei Parajanov (1924-1990)

Si bien es conocido por su amistad con Andrei Tarkovsky, el director armenio tiene su propio universo y merito para ser considerado dentro de esta lista. El cine de Parajanov no es fácil, resulta muy críptico, metafórico e incluso simbolista alejándose abismos de la narrativa convencional, este estilo le supuso innumerables problemas con la conservadora unión soviética de mediados de siglo llevándolo incluso a prisión, Sergei es quizá el director más golpeado y censurado de la historia del cine hecho que lo convierte en un héroe ademas de genio.

Mejor trabajo: Sombras de antepasados olvidados (1964)




16. Alfred Hitchcock (1899-1980)

Si algo podemos destacar de Alfred Hitchcock de entre sus muchos y variados argumentos cinematográficos, es su brillante forma de contarnos una historia, es él narrador por excelencia. Creó un estilo inconfundible y al parecer imperecedero del tiempo ya que sus aportaciones al celuloide siguen usándose y reciclándose con cada filme que sale al mercado, el maestro del suspense como es conocido mundialmente tiene asegurado su puesto en cualquier lista de mejores directores que se precie de ser buena.

Mejor trabajo: Vértigo (1958) 

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Las 10 mejores peliculas mexicanas (actualizado).

Hace casi medio año que no publicaba nada en el blog, ¿falta de tiempo o de inspiración?, nunca lo sabremos, he aquí un nuevo intento por "revivir" este espacio dedicado al cine.
Hace algún tiempo publique una lista en donde intentaba remembrar las mas grandes obras maestras del cine de mi país, eso claro bajo el subjetivo punto de vista del blog, ahora con un bagaje fílmico más concienzudo puedo actualizar esa lista con el fin de mejorarla, enjoy.

10.- El ángel exterminador.

Un grupo de nobles se disponen a marcharse después de cenar en la casa de la familia Nóbile ¿La detonante? una enmarañada psicológica, por alguna razón nadie puede irse del lugar, la situación se extiende por semanas y estos personajes comienzan a mostrar sus verdaderos rostros.
Quizá hablamos de la película mas furiosa y enigmática de Buñuel, así como en la mayor parte de su brillante filmografía las miserias e hipocresías de la clase burguesa sera el motor principal del relato, el Buñuel mas complejo que podemos encontrar.

Año: 1962.
Dirección: Luis Buñuel.
Fotografía: Gabriel Figueroa.

9.- El lugar sin limites.

La Manuela, un travesti y su hija La Japonesita administran un burdel cuyo dueño, el señor Alejo pretende vender, las cosas se complican cuando Pancho, un antiguo cliente vuelve estableciendo el que quizá sea el triangulo amoroso mas perverso de la historia del cine.
El filme esta sentado la premisa de un México patético, misógino, opresor y retrograda, el ambiente de asfixia somete a los personajes desembocando en situaciones de muerte. Mención aparte la sublime actuación de Roberto Cobo en el papel principal.

Año: 1997.

Dirección: Arturo Ripstein. 

Fotografía: Miguel Garzón.

8.- ¡Vamonos con Pancho Villa!

Los leones de San Pablo son un grupo de guerrilleros que sin más deciden unirse a la revolución y luchar en el bando de Pancho Villa, mítico general mexicano.
Ultima parte de la trilogía de la revolución del gran director Fernando de Fuentes. Si bien el tiempo no perdona, creo que la obra que nos ocupa ha envejecido de una manera bastante honrosa, en ella nos presentan a un Villa humano, un Villa con síntomas de dictador y alejado a lo que mas comúnmente se puede leer en libros de texto en las escuelas, sin embargo los protagonistas son Los leones, una honesta y evidente representación del pueblo mexicano de ayer y hoy.

Año: 1936.

Dirección: Fernando de Fuentes.

Fotografía: Gabriel Figueroa.

7.- Luz silenciosa.

Johan, miembro de una comunidad menonita en Chihuahua, mantiene una relación extra marital con Marianne, le resulta imposible elegir entre esta y su mujer Esther.
¿Muy pronto para colocar a Reygadas en un top de cine mexicano?, yo no lo creo así. El cine de Carlos es difícil, contempla y esculpe, en esta, su obra maestra hasta el momento podemos notar sus influencias bergmanianas, tarkovskyanas y sobretodo dreyerianas con ese final, calca y a la vez tan diferente de la película del danes, Ordet (1955). La obra maestra del cine mexicano reciente.

Año: 2007.

Dirección: Carlos Reygadas.

Fotografía: Alexis Zabé.

6.- El compadre Mendoza.

Rosalío Mendoza sobrevive a la revolución mexicana participando y pidiendo favores a los dos bandos, revolucionarios del general Zapata y el ejercito gubernamental armado, la situación se vuelve compleja y Mendoza tiene que elegir a que amigos traicionar.
Si algo tiene de merito la trilogía de Fernando de Fuentes es que en ella busco alejarse de la visión heroica y romántica que el pueblo mexicano guardaba de la revolución. La evolución narrativa y salto de calidad en esta película, por parte del director es evidente, una obra maestra totalmente para reivindicar.

Año: 1934.

Dirección: Fernando de Fuentes.

Fotografía: Alex Phillips.

5.- Los olvidados.

"El jaibo", un violento delincuente juvenil se reúne con su pandilla al escaparse de la correccional, entre ellos Pedro, a raíz de un letal suceso la relación de ambos se tornará turbulenta y mortal.
Con Los olvidados Buñuel alcanzaría uno de los puntos mas álgidos y elocuentes de su extensa filmografía, los marginados pueblos mexicanos le sirvieron a Luis para "documentar" esta triste realidad a estos tristes "olvidados" que no tienen mas remedio que delinquir para sobrevivir. Obra maestra con letras mayúsculas.

Año: 1950.

Dirección: Luis Buñuel.

Fotografía: Gabriel Figueroa.

4.- Los hermanos Del Hierro.

Reynaldo y Martín Del Hierro son testigos de la muerte de su padre asesinado por Pascual Velazco, al crecer son envenenados con el deseo de venganza por su madre, pero al conseguirla cambiaran sus vidas para siempre.
Para Jorge Ayala Blanco, gran critico mexicano de cine, hablamos de la mejor y mas completa cinta en la historia de México, no le falta razón, el filme destila un lenguaje cinematográfico mucho mas elaborado y brillante de la mano de Ismael Rodriguez, el director mexicano mas exitoso del siglo pasado, un western sin igual a la altura del mejor John Ford.

Año: 1961.
Dirección: Ismael Rodriguez.
Fotografía: Rosalío Solano.

3.- Enamorada.

José Juan Reyes es un temerario general del ejercito Zapatista en tiempos de la revolución, él y sus tropas llegan a la ciudad de Cholula, Puebla en busca de bienes para seguir financiando la revolución, allí conoce a Beatriz Peñafiel una bella mujer de la cual se enamora perdidamente.
Un hito en la cinematografía mexicana y del mundo, adornada con la fantasmal fotografía de Gabriel Figueroa, la película transita genialmente por el drama y la comedia, en 1949 el director, Emilio "El indio" Fernandez realizo un remake americano con Paulette Godard en el papel de Beatriz, un ejercicio bastante inferior a la obra maestra mexicana.

Año: 1946

Dirección: Emilio "El indio" Fernandez.

Fotografía: Gabriel Figueroa.

2.- El castillo de la pureza.

Gabriel, un perturbado hombre mantiene encerrada a su esposa y a sus tres hijos a quienes llama Porvenir, Utopía y Voluntad por dieciocho años, con la premisa de protegerlos del mundo exterior al que considera impuro y dañino.
Sublime drama apocalíptico que significa la obra cumbre de Arturo Ripstein, un genio muchas veces incomprendido, la cámara lenta y contemplativa nos invita a descubrir los recónditos escondites del universo ripsteniano, una compleja reflexión de la condición humana y la doble moral que caracteriza a nuestra especie.

Año: 1972.

Dirección: Arturo Ripstein.

Fotografía: Alex Phillips.

1.- Nazarín.

Narra las huidas de Nazario, un devoto y humilde cura que tras defender a una prostituta causante de un incendio debe alejarse de su comunidad y peregrinar, intentando en su camino, sin mucho éxito, profesar su fe.
Buñuel nos presenta la obra maestra de su etapa mexicana, un bello drama religioso rodado con sumo respeto tomando en cuenta que Luis se autoproclamaba "ateo, gracias a dios", Francisco Rabal, por su parte entrega a uno de los personajes mas nobles y humanos, quizá demasiado humano para este mundo cruel e indiferente. La mejor película mexicana de la historia y una de las mejores en general.

Año: 1959.

Dirección: Luis Buñuel.

Fotografía: Gabriel Figueroa.

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Los mejores cinematógrafos.

-Timo Salminen-

Colaborador asiduo del genio del cine actual, Aki Kaurismaki, el fotógrafo finlandes es famoso por sus colores fríos y opacos que dotan a sus filmes de una atmósfera melancólica, su estilo, bien identificable se complementa de una manera simbiotica con las temáticas neorreales de Aki, influido también por el cine negro hollywoodense utiliza las sombras a placer, sobretodo con numerosas Fill-Lights (luces de relleno) que hacen de sus cuadros, naturalmente imposibles de ver en la vida real, como sello característico, Timo suele oscurecer siempre la parte de arriba de toda aquella pared que aparezca a cuadro, -la penumbra siempre cierne sobre sus personajes-. La fotografía minimalista de Salminen resalta ojos, manos, gestos, arrugas y pequeñas partes del encuadre que nos invitan a descubrir la belleza en los escondites mas recónditos del espacio. 

Mejor trabajo: Le Havre (2011) de Aki Kaurismaki.

Timo Salminen (izq) y Aki Kaurismaki (der) en el rodaje de Le Havre.

-Raoul Coutard-

Fue el fotógrafo mas importante de la nueva ola del cine francés, influido totalmente por el trabajo de Robert Doisneau y el cinema verité, Coutard junto con Jean-Luc Godard revoluciona el cine en la década de los 60's al rodar Sin aliento, con cámara en mano y luz completamente natural, el genio parisino encajo como anillo al dedo en los trabajos de Godard quien le permitía innovar a placer y buscar nuevas formas de iluminación así como ser pionero en granular la película de más para obtener texturas mas nítidas y reales, a lo largo de su brillante carrera, colabora con directores de la talla de Truffaut, Demy o el griego Costa Gavras su frase mas recordada es "Siempre he sentido que cuando decides hacer un filme debe ser como una historia de amor". 

Mejor trabajo: Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard.

Godard (izq) y Coutard (der) cámara en mano en el rodaje de Sin aliento (1960)



-Gordon Willis-

El príncipe de las tinieblas, era el apodo con el cual se le conocía a Gordon Willis por la manera tan sombría y tenebrosa de iluminar sus encuadres, el famoso `arte de la subexposición´ de la cual fue el maestro y le hizo acreedor a ciertas criticas que negaban el valor artístico de la misma. En la década de los setentas se convertiría en leyenda al fotografiar las obras maestras de Woody Allen y Francis Ford Coppola, Manhattan y El padrino respectivamente. Los personajes de Willis no se ven o apenas lo hacen, dándoles así misterio y poder, el poder de estar oculto en las penumbras con los pensamientos y los ojos ocultos para todos aquellos que se atrevan a mirar, creador de contraluces que no envidiarían nada ni al mismo Rembrandt e imágenes poéticas que permanecen en la retina por mucho tiempo, Gordon es y debe ser considerado como uno de los grandes cineastas de toda la historia.

Mejor trabajo: Manhattan (1979) de Woody Allen.

Gordon Willis (izq) y Woody Allen (der) en el rodaje de Annie Hall (1977) 

-Christopher Doyle-

Así como  Salminen y Kaurismaki, el binomio Doyle-Wong Kar Wai brilla con luz propia en el panorama fílmico actual, pese a su "no muy cordial relación", el fotografo y el director han logrado crear algunas de las imágenes mas bellas en inquietantes que se recuerden, su estilo muy reconocible se vale de la poca profundidad de campo, los colores saturados y el estilizado juego del tiempo (ya sean ralentis, cámara rápida o secuencias congeladas enteras) para que el ritmo del filme sea trepidante y desestabilice incluso al espectador mas audaz. Doyle es el único fotógrafo que puede ser considerado como posmoderno ya que recicla técnicas tan viejas como el cine en si, logrando con ellas resultados nunca vistos a tal magnitud, a pesar de parecer un perfeccionista, Chris prefiere que las cosas broten con naturalidad y filmar sin un guion que dictamine el camino del todo, un genio sin igual.

Mejor trabajo: Deseando amar (2000) de Wong Kar Wai.

Doyle (izq) y Gus Van Sant (der) en el rodaje de Paranoid Park (2007).

-Eduard Tissé-

Fue el fotografo mas importante del cine soviético de principios de siglo, junto con Eisenstein, Pudovkin y Dovzhenko, comandaron la generación dorada de este país, su estilo busca el contraluz en el cuerpo de aquellos que se hallan en su encuadre, texturizandolos y dotándolos de una elegancia y versatilidad poética. Ajustándose a la altura de lo que demandaba trabajar con el gran Eisenstein, Tissé innovó de manera significativa en todas las colaboraciones con el genio ruso, como en la legendaria secuencia de la escalera de Odessa, en donde realiza uno de los primeros Dollys del cine soviético o utilizando filtros especiales en secuencias de Alexander Nevsky para filmar tormentas de nieve en pleno verano ardiente, Eduard alcanza su punto creativo más alto en México fotografiando ¡Que viva México! filme inacabado de Serguei, ademas de significar una importante influencia en los fotógrafos mexicanos de la época  La composición de sus imágenes salta de la pantalla, volviéndolas casi tangibles.

Mejor trabajo: ¡Que viva México! (1979) de Serguei Eisenstein.

Serguei Eisenstein (izq) y Eduard Tissé (der) en el rodaje de ¡Que viva México!

-Kazuo Miyagawa-

Es el genio de la fotografía japonesa, comienza su carrera en el laboratorio de revelado y pronto se convierte en fotografo de las peliculas tempranas de Hiroshi Inagaki, fue quizas el cinematógrafo mas versátil que ha existido, al tener que trabajar con cineastas tan dispares (y geniales), como Mizoguchi y sus contemplativos planos secuencia y Kurosawa con sus tomas rápidas y numerosos cortes, aunque trabajo con casi todos los genios de su país, Yasujiro Ozu, Kazuo Mouri o Kon Ichikawa por mencionar algunos, con el apodado, Emperador del cine, es con quien encuentra mayor libertad de innovación y experimenta con rieles, grúas y andenes que dotan a su fotografía de mayor fluidez y un ritmo vertiginoso no visto hasta entonces, esto se aprecia perfecto en Rashomon (1950). Trabajando con Ichikawa, Kazuo emplea por primera vez en la historia del cine el denominado Daiescope, un nuevo y moderno formato de pantalla ancha, influido totalmente por el expresionismo alemán y por la pintura clásica oriental, Miyagawa delimita sus encuadres siempre por lineas verticales ya sean puertas, paredes o cortinas, si existe un genio de la fotografía que debe ser reivindicado, ese es el gran Kazuo Miyagawa.

Mejor trabajo: Cuentos de la luna pálida (1953) de Kenji Mizoguchi.

Kazuo en rodaje planeando su encuadre.

-Karl Freund-

Karl Freund forma junto con Lang, Lubitsch, Mayer, Pabst y Murnau la generación dorada del cine alemán, precisamente fue con Murnau con quien desarrollaría más su talento cinematográfico, usando la cámara como narrador y personaje, teniendo su punto mas álgido con El último de los hombres, gran obra maestra del cine silente, en donde toda la narrativa recae en la estupenda actuación de Jannings y sobre todo en la cámara de Freund, en 1930, Karl viaja a Hollywood para enrolarse en proyectos mas pudientes económicamente hablando, ahí trabaja con directores de la talla de Tod Browning, John Ford, Fred Zinnemann o John Stahl, incluso ganando un Oscar a la mejor fotografía por La buena tierra (1937) de Sidney Frankiln. Freund también revoluciono la televisión siendo inventor del Master con protecciones, sistema de rodaje en base a tres cámaras que filman simultáneamente una acción determinada, aunque normalmente es usado para la televisión, también en el cine se la da uso a esta completa invención del genio alemán.

Mejor trabajo: El ultimo de los hombres (1924) de Friedrich Murnau.

Freund iluminando a Katherine Hepburn y Robert Taylor en Corrientes ocultas (1947) de Vincente Minnelli.

-Gregg Toland-

Si existe un cinematógrafo que cambió la historia del cine, ese es sin duda Gregg Toland, que allá por 1940, junto con el gran Orson Welles revoluciono la concepción del lenguaje cinematográfico al crear profundidad de campo y utilizar el nuevo artilugio en función de la narrativa en la mítica Ciudadano Kane. A la edad de 27 años ya era un visionario y brillante director fotográfico, más allá de captar imágenes, Toland siempre busco codificar sentimientos y potenciar las virtudes del guion con su luz, no buscaba resaltar la belleza del actor, sino la emoción de determinada escena, algo muy controvertido para el Hollywood conservador de mediados de siglo, trabajo casi en toda la filmografia de Wilder, con John Ford, Hawks e incluso con Alfred Hitchcock, pero nunca su talento brillo tanto como con Orson Welles y la ya mencionada obra maestra en donde las ideas extravagantes de un joven visionario se combinaron con la experiencia y sabiduría de un genio sin igual, en el cine, existe un antes y un después de Gregg Toland.

Mejor trabajo: Ciudadano Kane (1940) de Orson Welles.

Orson Welles (izq) y Gregg Toland (der) en el rodaje de Ciudadano Kane.


  
-Gabriel Figueroa-

Es, sin lugar a dudas el más grande cineasta en la historia de la cinematografía mexicana... siendo el fotografo mas importante de la época de oro, compinche en muchas ocasiones de directores tan grandes como Emilio "Indio" Fernández, Roberto Gavaldon, Fernando de Fuentes, Ismael Rodriguez y el mismo Luis Buñuel, a este le fotografío obras maestras como Los olvidados (1950) o Nazarin (1958), entre otras. Su estilo, nacionalista, supone la encarnación de la esencia mexicana, filma quehaceres, tradiciones, gente y paisajes mexicanos, profesándole de esta manera el amor que le tiene a su tierra, su forma lírica y fantasmal de encuadrar e iluminar puede ser catalogada como preciosista o metafórica, aunque academicamente se formo en Hollywood de la mano de Alex Phllips, la fotografía de Figueroa no es cerebral sino visceral sacrifica la técnica siempre en pos de obtener un efecto mas sincero y poético, si se hiciera un top 10 de las mejores peliculas mexicanas de la historia, Gabriel habrá fotografiado 7 de ellas.

Mejor trabajo: Enamorada (1946) de Emilio Fernández.

Luis Buñuel (izq) y Gabriel Figueroa (der) en el rodaje de Nazarín.

-Sven Nykvist-

No tengo duda al colocar al sueco Sven Nykvist en la cima de mi top de los mejores cinematógrafos, comienza su carrera como ayudante de cámara y para 1945 ya es un reconocido director de fotografía, a diferencia de la mayoría de los maestros enlistados previamente, Sven no suele utilizar el contraste, al contrario, encuadra con luz difusa eliminando sombras y texturas, de esta manera aplana la imagen dotando sus cuadros de realismo, frialdad y una sencillez meticulosa, su estilo es denominado como naturalista. Trabajo con los grandes maestros del cine, Woody Allen, Alan Pakula, Roman Polanski, con el gran Andrei Tarkovsky en Sacrificio (1985), pero fue realmente con su compatriota Ingmar Bergman con el cual estableció una relación de perfecta armonía y eficiencia, con el filmo más de 15 peliculas estableciendo un estilo perfectamente identificable y que ambos perfeccionarían con el pasar de los fotogramas, las mas grandes obras maestras de Bergman, le deben un alto porcentaje a la estética y belleza que Nykvist les imprimió.

Mejor trabajo: Persona (1966) de Ingmar Bergman.

Ingmar Bergman (izq) y Sven Nykvist (der) en el rodaje de Fanny y Alexander (1982).

Sven Nykvist (izq) y Andrei Tarkovsky (der) en el rodaje de Sacrificio (1986).

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